PREMIOS PARA "LAS ACACIAS" E "INFANCIA CLANDESTINA" EN SAN SEBASTIÁN

Las películas argentinas "Las acacias", de Pablo Giorgelli, e "Infancia clandestina", de Benjamín Avila, ambos integrantes del PCI, recibieron importantes premios en el último Festival Internacional de Cine de San Sebastián.
La ópera prima de Giorgelli, que venía de ganar la Cámara de Oro a la mejor ópera prima del Festival de Cine de Cannes (Francia), recibió en Donostia el Premio Horizontes, dotado de 35.000 euros.
El Premio Horizontes está destinado a impulsar el conocimiento de los largometrajes producidos total o parcialmente en América latina, dirigidos por cineastas de origen latino, o bien que tengan por marco o tema comunidades latinas del resto del mundo.
En tanto, "Infancia clandestina", de Benjamín Avila, protagonizada por Natalia Oreiro, Ernesto Alterio, César Troncoso y Cristina Banegas, se alzó con el Premio Casa de América en el segmento Cine en Construcción.
El filme es una coproducción entre Argentina, Brasil y España, y trata de la militancia revolucionaria de la década del 70, el drama del exilio y la voluntad de volver a retomar la lucha, con claras referencias autobiográficas del director Avila, en 2004 responsable de "Nietos (Identidad y memoria)".

SIGUE EN CARTEL DOCUMENTAL "EL FIN DEL POTEMKIN"

El documental “El fin del Potemkin”, ópera prima de Misael Bustos con producción de los miembros del PCI Lucía Puenzo y Fernando Molnar, ofrece una profunda reflexión sobre el desarraigo y el desamparo a través de la “historia surrealista” de dos ex marinos soviéticos que viven desde hace 20 años en la Argentina, donde quedaron varados, al producirse la desintegración de la Unión Soviética.

“Lo que más me chocó de esta historia casi surrealista fue principalmente el drama humano, pero también quise reflexionar sobre el hecho de que muchas veces se toman grandes decisiones políticas sin tomar en cuenta a las personas que, como en este caso, quedaron desperdigadas por distintos lugares del mundo”, afirmó Bustos.
Producida por el ganador del Oscar Luis Puenzo, director de “La Historia Oficial”, la película de Bustos -que se estrenará hoy en el Espacio Incaa KM 0, Cine Gaumont- retoma la historia del bielorruso Viktor Yasinskiy y del letón Anatoli Stankievich, dos marinos que viven una odisea desde 1991, a causa de la caída del Muro de Berlín y la disolución de la Unión Soviética.
El barco pesquero en el que trabajaban quedó abandonado en Mar del Plata -hubo otros casos de barcos varados alrededor del mundo e incluso uno quedó en el puerto de La Boca- y los miembros de su tripulación, entre ellos Viktor y Anatoli, se convirtieron en inmigrantes forzados, sin dinero, sin afectos y sin nación, obligados a vivir en un país extraño y sin hablar el idioma.
En el caso del pesquero que quedó en la Boca, los marineros rusos desguazaron la nave para poder subsistir y podrer traer a sus familias.
“Quiero invitar a reflexionar al espectador sobre el desarraigo. Ellos son inmigrantes forzados, porque quedaron de un día para el otro sin patria, sin familia, sin documentos y sin los medios para moverse ni reclamar nada. Estaban totalmente perdidos y quedaron en un desamparo total”, agregó Bustos en una entrevista.
En ese sentido, el cineasta advirtió que “a veces somos meros números en muchas cuestiones y decisiones de políticos. A ellos les pasó eso. Desde el primer momento que los conocí lo que más me interesó fue su condición de desarraigo y desamparo. Era muy fuerte lo que les había pasado a ellos, porque estuvieron 20 años en esta odisea”.
Declarada de Interés Cultural por la Municipalidad de Mar del Plata y ganadora del Premio Alba Cultural Primera Copia del Festival de Cine de La Habana, “El fin del Potemkin” explora el profundo drama humano de estos extranjeros, quienes pudieron reconstruir sus vidas en la Argentina, pero siguen sufriendo el dolor de la soledad, la falta de afectos y la nostalgia por la vida que llevaban en sus patrias.
Uno de los aciertos del filme es la comparación de la suerte que corrieron estos marinos -y la gran incertidumbre que pasaron durante años- con la tremenda experiencia del cosmonauta ruso Sergei Krikaliev, quien partió solo a una estación espacial donde debía permanecer durante tres meses, pero a causa de las profundas transformaciones políticas en la URSS quedó abandonado en el espacio durante 10 meses.
“El tiempo te calma, pero nunca olvidas”, afirma Viktor, quien ya pasó más de 20 años en la Argentina, período durante el cual fallecieron sus padres y nunca pudo regresar a ver a Shkolv, su pueblo natal, a ver a su mujer y su hija, aunque al mismo tiempo -después de superar grandísimas dificultades económicas- pudo volver a enamorarse y tiene una hija adolescente en Mar del Plata.
Bustos recordó que después de cuatro años de buscarlo, finalmente se encontró con Viktor y encontró a “un hombre muy hosco y parco, como cualquier marino acostumbrado al mar. Sin embargo, lo más interesante fue que me quería contar su historia, tenía una gran necesidad de que alguien escuchara lo que le estaba pasando”.
Para el realizador, “hacer esta película fue una aventura muy impactante. Sobre todo me apasionó la historia y estuvimos viéndonos con ellos durante seis años con idas y vueltas. Aunque la película parezca una película grande -se filmó en Argentina, Rusia, Bielorrusia y Letonia- siempre fuimos un equipo muy pequeño, con recursos mínimos”.
“Por eso -añadió Bustos- quiero agradecerles a Luiz Puenzo, Nicolás Batlle y Fernando Molnar, los productores, porque me dejaron trabajar muy libremente en la construcción del montaje y nunca hubo ninguna interferencia de su parte en relación a eso, lo cual es muy destacable”.

“El fin del Potemkin” se podrá ver hasta el 17 de agosto próximo en el Espacio Incaa Km 0, Cine Gaumont, a las 16.10 y 19.40 horas.
Trailer en youtube: http://www.youtube.com/watch?v=o6RXtyRmGMw

"HACHAZOS" REVELA ASOMBROSA OBRA DEL "CINEASTA SECRETO" CLAUDIO CALDINI

“Hachazos” es el título de un vasto proyecto de Andrés Di Tella que mezcla distintas artes para componer un documental, un libro biográfico y un espectáculo vivo y performático en torno a la figura del cineasta experimental argentino Claudio Caldini, un “cineasta secreto” que es puente entre dos generaciones y cuyas asombrosas imágenes obligan incluso a repensar qué se entiende por cine.
En su versión fílmica, “Hachazos” es el retrato de una de las figuras más destacadas del cine “under” y experimental en la Argentina; un relato sobre la pasión por el cine y acerca de cómo el arte puede modificar la vida de un hombre al punto de llevarlo a la locura; una reflexión en torno a la soledad y a la contemplación de la naturaleza y, finalmente, un testimonio del vínculo humano y artístico que une a estos dos directores.
Austero, extremadamente preciso y meticuloso, Caldini “hace cine solo, sin dinero, sin nadie”, un cine abstracto e innovador en el que confluyen la música, la pintura y otras artes plásticas, además de recursos experimentales e ideas técnicas geniales, donde las imágenes surgen de un modo de pensar como si se estuviera soñando, dejando a la mente libre de olvidarlo todo y dar paso a lo azaroso.
Para Di Tella, “Caldini es un artista que hace un cine que el 90% de los cineastas no reconoce como cine. Ahora empieza a haber otros cineastas que se consideran sus herederos, pero él es un solitario y eso me parece ejemplar en su vida, porque lleva al límite su idea del cine y ese cine sólo es posible porque vive de manera solitaria”, según reflexionó.
Este cineasta miembro del PCI-a quien el cruce con Caldini le hizo repensar su forma de hacer cine y darle más importancia a la potencia de la imagen en sí misma- dijo que buscó retratarlo porque “me conmueven los destinos que sufren momentos complicados y la épica de ciertas personas atravesadas por trastornos y locuras. Pero supongo que también lo hago para entender mi propia vida”.
“Esta es una colaboración entre ambos para reconstruir algunos momentos de su vida. A la vez fue una discusión, porque no siempre estábamos de acuerdo. Yo trabajo en equipo y me gusta la narración. El trabaja solo y le apasiona lo abstracto. Por eso el proyecto es un choque entre dos concepciones distintas sobre el cine, y eso, en sí mismo, es un experimento”, agregó el director. Para el filme, Di Tella sintetiza una entrevista a Caldini que se extendió durante más de dos años, en la cual lo muestra en su vida solitaria como casero de una quinta en General Rodríguez y recorre a través suyo la historia de un cine argentino casi oculto, se estrenará hoy jueves en salas porteñas y se verá todos los domingos, a las 18, en el Malba.
“Hachazos” en su versión libro fue presentado anoche en la Fundación Telefónica, donde ambos ofrecieron una variable de una performance que ya realizaron en el Teatro San Martín de Buenos Aires, en La Plata y en Brasil, pero ahora con imágenes que Caldini nunca antes había mostrado en público y con grabaciones en casete que Di Tella repartió entre los asistentes.
El proyecto empezó en 2009 cuando Di Tella escribió en su blog un artículo sobre el impacto que le provocó su reencuentro con el director experimental, a quien no veía desde hacía muchos años y a quien había conocido en 1976, cuando era un estudiante secundario y colaboraba como asistente en un cortometraje de la artista plástica Marta Minujín, donde Caldini era camarógrafo. Ese artículo disparó la idea de un libro y también le dio impulso para hacer un documental: “Todas las semanas charlábamos con Caldini y yo anotaba en una libreta, iba a mi casa y escribía. Así durante unos meses, hasta que fue apareciendo un libro. Se lo di a Martín Rejtman para ver qué opinaba y apenas lo leyó me recomendó que hiciera una película”, recordó Di Tella.
En ese sentido, el director admitió cierto tironeo entre su pasión por el cine y su gusto por la escritura: “Soy una especie de escritor frustrado y eso se nota un poco en mis películas. A mi me influyen más algunos escritores que ciertos cineastas, y me gustan mucho las biografías y autobiografías que cuentan vidas. También me interesan las vidas que se cruzan, los destinos que se encuentran”.
“En todas mis películas indago en la vida de los otros para encontrar algo que me fascina. Me gusta el desafío de cómo contar una vida y, si en un libro eso es muy difícil, en una película es casi imposible. Si algo tienen mis películas es justamente eso, intentan transmitir una vida e invitar al espectador a hacer ese viaje”, agregó.
Además de retratarlo en su vida austera y solitaria en la quinta del Gran Buenos Aires donde limpia la pileta, corta el pasto, planta nuevos árboles y vive con la única compañía de insectos, pájaros, gatos y perros, la película indaga en la obra de Caldini y recrea algunos de los recursos técnicos y estéticos que este exquisito artista del celuloide puso en marcha en algunos de sus filmes.
Así, el espectador asiste a una remake de “Heliografía” (una película que Caldini filmó en la India en Super 8 milímetros y luego ralentó en video), “Un enano en el jardín” (una película perdida) y “Gamelan”, donde demuestra que para hacer buen cine a veces sólo hace falta una buena idea, y “Un nuevo día”, una película inconclusa sobre su colega Tomás Sinovcic, desaparecido en los 70. “En esa época Caldini se fue la India (país al que volvería a viajar en otras dos ocasiones y donde sufrió delirios y alucinaciones). La época de la dictadura militar lo afectó muchísimo, especialmente a partir de la desaparición de su amigo Sinovcic, a quien él había ayudado a terminar un cortometraje militante”, explicó Di Tella.
Y añadió: “También me interesaba dar una visión de los 70 a través de alguien como Claudio, que padeció la dictadura sin ser un héroe ni nada y, sin embargo, él también era un resistente, porque junto a otros cineastas experimentales como Horacio Vallereggio, Silvester Byron, Narcisa Hirsch y Marie Luise Alemann representaban un último espacio de resistencia cultural”. Para Di Tella, “el cine abstracto -opinó- tiene que ver directamente con su vida. Todo lo que él hace es profundamente autobiográfico. Por eso creo que esta película va a ayudar a conocer un poco más este cine injustamente olvidado. No es casualidad hacer esta película, porque algo está pasando en el país que tiene que ver con cierta insatisfacción con el cine convencional”.

RODRIGO MORENO ESTRENA "UN MUNDO MISTERIOSO"

El cineasta Rodrigo Moreno estrenó en salas locales Un mundo misterioso, su nueva película protagonizada por Esteban Bigliardi y Cecilia Rainero, una propuesta singular en la que registra la errancia absurda y existencial de un hombre que es abandonado por su novia y a quien el mundo se le torna inexplicable.
Con la actuación de Rosario Bléfari, Leandro Uria, Germán De Silva y Lucrecia Oviedo, la nueva película escrita y dirigida por Moreno, quien ganó el premio Alfred Bauer en Berlín en 2006 con “El custodio”, su ópera prima, llegará por fin al país tras competir por el Oso de Oro en el 61ro. Festival de Cine de Berlín y de participar de la Competencia Argentina del último Bafici.
En el siguiente e interesante texto, este miembro del PCI explica las razones estéticas y temáticas que lo llevaron a dirigir este nuevo filme.

Acerca de Un mundo Misterioso.
Por Rodrigo Moreno

Tema

Una crisis propone un tiempo interesante porque hay que construir nuevas reglas, incluso la posibilidad de que no haya ninguna regla que rija nuestro destino. Después de haber hecho una película con una métrica tan intensa como en El custodio, necesitaba transitar un camino más incierto, menos señalado y esta historia apareció como la confluencia de varias ideas que tenía en la cabeza y con la fuerza de la necesidad: necesitaba perderme, necesitaba abrir puntas sin saber adónde me iban a llevar. Boris y el tiempo de separación expresan la parte narrativa de esa necesidad. La separación es también una oportunidad narrativa para explorar y desviarse junto con los personajes y contar bajo la única égida del capricho. La película está basada en estos puntos de fuga en los que se monta incluso sin saber si es capaz de enderezar el rumbo perdido. Es una idea de narración desobediente y un poco anárquica que me atrae mucho. Cuando se arranca con un proyecto es necesario que haya un nervio con la fuerza suficiente como para soportar los embates del tiempo y de la imposibilidad al que es sometido a lo largo de todo el proceso, desde el apunte en un cuaderno hasta el estreno en un cine y Un mundo misterioso todavía conserva para mí esa fuerza gracias a su libertad narrativa, y a su espíritu anárquico.

El protagonista

Boris no es nadie en particular, y eso es lo que me gusta de este personaje, que no sabemos muy bien quién es ni nos importa saberlo. La película lo va construyendo a medida que avanza y al final cada espectador se arma una identidad posible para ese personaje, seguramente descargando sobre él preocupaciones y rasgos propios, como siempre ocurre con los protagonistas. Boris no tiene un oficio reconocible, siempre está vestido de la misma manera, no sabemos si tiene padres, hermanos, en fin, nada podemos adivinar por fuera de lo que la película cuenta, y esto es una postura que adopté de manera radical, no es una historia que se construye con la ayuda de factores y de conceptos que uno puede tomar del mundo exterior o de la vida real, esta película se construye sola, es autosuficiente por lo tanto todo lo que la exceda, lo que esté por fuera no es útil a la película, es ajeno a ella.

El auto

A veces resulta inexplicable cómo funcionan ciertas cosas: la vida útil de un auto rumano determina en esta historia el curso de otras vidas.

Por supuesto que el Tokha no existe, es una invención que recuerda una serie de autos importados en los años noventa desde la URSS con tecnología ciertamente obsoleta y un diseño que ya había sido utilizado para otros autos veinte años atrás. El absurdo de un auto, de hecho de cualquier objeto, que no funciona correctamente marca la dependencia que puede tener cualquiera sobre aquellas cosas que son inmanejables. El amor podría incluirse en esta categoría y es por eso que me gustaba representar el tiempo inconmensurable que se propone en el inicio del film con la vida útil de este coche. Ese tipo de coincidencias absurdas, caprichosas, contribuyen a que el mundo parezca misterioso e inexplicable.

Canciones

La canción del final se titula Déjá, la letra alude en cierto modo a lo que cuenta la película específicamente en ese momento pero además está cantado por Gardel en una grabación poco conocida que data de 1931. Una sola vez la escuché en la radio y desde entonces quise ponerla en una película. El hecho de que esté cantada en francés le da un aire francés a todo el resto, pero el hecho de que sea precisamente Gardel quien la cante la exceptúa del ridículo al que podría haberse expuesto, no hay una intención de afrancesamiento sino una apropiación bien criolla de lo francés, lo que conforma una idea muy porteña de las cosas, y esta película es muy porteña.

Por otra parte Atahualpa Yupanqui es el autor de otro de los temas de la película. Si bien no fue deliberada la presencia de dos íconos musicales de Argentina, , me parece simpático que ambos puedan convivir con tanta proximidad. Es la simpleza pura tocada en un concierto que sólo está registrado en you tube, nadie tiene el original de ese recital que fue concebido para televisión en el año 86, con Atahualpa de viejo. Me contacté con la persona que había subido a you tube el material, un dentista de Villa del Parque, fui hasta su casa y lo grabé de ahí en un minidisc. Es como una joya perdida y haberlo rescatado es parte de este extraño museo que me propuse con la película, un museo que colecciona objetos perdidos: un viejo renault 6, algunos bares olvidados de la ciudad, grabaciones poco difundidas, y un aire que llama a gritos a una ciudad que tal como la conocí cuando era chico se va extinguiendo día a día.

Producción

Esta película se produjo con un crédito del Incaa, un premio de Visions Sud´est de Suiza, la pre venta al canal ZDF de Alemania y un subsidio del municipio de Berlin. Se realizó con un equipo de doce técnicos más algunos colaboradores que se sumaron en algunas pocas jornadas de las casi treinta que conformaron el rodaje. Se filmó en verano, en Buenos Aires, cerca de nuestras casas, solíamos ir a comer a restaurantes durante el rodaje, todo el equipamiento entraba en una camioneta y se filmó en 35 mm. Se evitaron todos los vicios que la industria arrastra como lastre al momento de filmar con un crédito del Instituto. Como directores y productores independientes tenemos la obligación de probar que una película se puede hacer más chica y más barata. Claro que todo puede reducirse y abaratarse aún más, ese es nuestro objetivo.

Aunque por ser pocos tuvimos que trabajar duro, la película se realizó bajo un excelente y relajado clima de trabajo. Encontramos un sistema que permite trabajar de manera profesional sin las presiones que suele ejercer el profesionalismo. Creemos que se puede mejorar y tenemos muchas ganas de seguir intentándolo.

Un mundo misterioso se puede ver de jueves a domingo, a las 21.30, en el cine Cosmos-UBA (avenida Corrientes 2046) y los viernes a las 20 y sábados a las 22 en Malba.cine (avenida Figueroa Alcorta 3415).

ANA KATZ VUELVE A SAN SEBASTIÁN CON "LOS MARZIANO"

La cineasta y actriz argentina Ana Katz volverá este año al Festival de Cine de San Sebastián, en España, pero esta vez para competir por la Concha de Oro de la Competencia Oficial con su nuevo largometraje, “Los Marziano”, que protagonizan Arturo Puig, Guillermo Francella y Mercedes Morán.
“Los Marziano” es una comedia agridulce sobre dos hermanos peleados desde hace años y las tensas relaciones que se establecen entre ellos cuando deben reunirse para una celebración familiar.
La película de Katz -quien ya había participado en el festival donostiarra con “El juego de la silla” y “Una novia errante”- competirá con las de grandes autores como Terence Davies, Hirokazu Kore-Eda, Arturo Ripstein, Wang Xiaoshuai, Sarah Polley y Julie Delpy.
El británico Davies, a quien el festival le dedicó una retrospectiva en 2008, competirá este año con “The Deep Blue Sea”, protagonizada por Rachel Weisz, Tom Hiddleston y Simon Russell Beale, una adaptación de la obra teatral homónima de Terence Rattigan, una pieza de cámara centrada en el conflicto emocional que vive una mujer casada que se enamora de otro hombre.
El japonés Kore-eda competirá con “Kiseki”, la historia de un niño de doce años con una gran ilusión en la vida: reunirse con su hermano menor, mientras que el mexicano Ripstein lo hará con “Las razones del corazón”, una libre y personal adaptación de los últimos capítulos de la novela de Gustave Flaubert “Madame Bovary”.
La actriz, directora y productora Sarah Polley compite también en la Sección Oficial con su segundo largometraje, la producción canadiense “Take this Waltz”, un drama romántico protagonizado por una joven en plena confusión sentimental, mientras que su colega francesa, la actriz Julie Delpy presentará su cuarta película, “Le Skylab”, una nostálgica comedia sobre una reunión familiar ambientada en los años 70 que ella misma dirige y protagoniza.
También competirán “11 Flowers”, del chino Wang Xiaoshuai, “Americano”, del francés Mathieu Demy, “Sangue do meu sangue”, del portugués João Canijo, “Adikos Kosmos”, del griego Filippos Tsitos, y “Happy end”, del sueco Björn Runge.

EDGARDO COZARINSKY COMPITE EN VENECIA CON "NOCTURNO"

Los más recientes trabajos de los directores argentinos Edgardo Cozarinsky, "Nocturno", y Mauro Andrizzi, “Accidentes gloriosos”, fueron seleccionados para formar parte de la sección Horizontes del 68vo. Festival de Cine de Venecia, que se realizará entre el 31 de agosto y el 10 de setiembre próximos.
La presencia argentina en el festival italiano se completa, hasta el momento, con “El campo”, ópera prima de Hernán Belón que competirá en la Semana de la crítica, y las coproducciones “Mundial olvidado”, de Lorenzo Garzella y Filippo Macelloni, y “Otros silencios”, de Santiago Amigorena, en en las secciones Giornate degli autori y Venice days, informaron a la prensa fuentes del certamen.
La Mostra abrirá este año con “The ides of march”, el nuevo filme dirigido por el actor George Clooney, mientras que en las últimas horas se conoció que “Damsels in distress”, del cineasta estadounidense Whit Stillman, será el encargado de clausurar la muestra.
Sobre la participación argentina, la sección Horizontes -donde el año pasado Andrizzi había presentado su filme “En el futuro”- tendrá este año como presidente del jurado al reconocido cineasta tailandés Apichatpong Weerasethakul.
El filme de Cozarinsky está protagonizado por Esteban Lamothe, Marta Lubos, Leticia Mazur y Luis Ortega, mientras que el de Andrizzi -codirigido junto a Marcus Lindeen- cuenta con actuaciones de Cristina Banegas y Lorena Damonte.

HERNÁN BELÓN COMPITE CON "EL CAMPO" EN LA SEMANA DE LA CRÍTICA DEL 68º FESTIVAL DE CINE DE VENECIA

Hernán Belón es el director de “El campo”, un thriller psicológico que competirá en la Semana de la Crítica del próximo Festival de Cine de Venecia y en el que Dolores Fonzi y Leonardo Sbaraglia encarnan a una pareja urbana que decide ir a vivir a una casa de campo con su beba, pero lejos de hallar la tranquilidad que buscaban viven una pesadilla.
“La película tiene que ver con la crisis existencial de estas personas acostumbradas a vivir en la ciudad, en la burbuja de la civilización, que al salir al campo y encontrarse con un mundo más primitivo, donde se empiezan a sentir angustia al ver desarmarse esa red que los contenía y protegía”, afirmó Belón, miembro del PCI.
Mientras se esperan novedades acerca de otras películas argentinas seleccionadas para participar de otras secciones de esta 68va. edición de la Mostra, que tendrá lugar entre el 31 de agosto y el 10 de septiembre, se supo ayer que “El campo” competirá además por el Premio León del Futuro a la mejor opera prima de toda el festival.
“Estoy muy contento y entusiasmado por esta noticia, sobre todo porque estamos buscando la forma de encarar la distribución nacional e internacional de la película, y la verdad que está muy dificíl, con lo cual esperamos que esto nos ayude a encontrarla y poder estrenar este año, quizás en octubre próximo”, señaló Belón.
El realizador, que antes había filmado los documentales “Sofía cumple 100 años” y “El tango de mi vida”, además de codirigir junto Tatiana Mereñuk el corto de ficción “Aluap” para Historias Breves II, estuvo presente este año en el Festival de Cine de Cannes, donde presentó su proyecto “Sangre en la boca” en el apartado Cinémas du Monde.
Para el director, “El campo” es un largometraje “que no responde para nada lo que podrían esperar los europeos. Sin embargo, funciona como una película industrial, aunque es una propuesta muy pequeña, que filmamos durante cinco semanas seguidas, en pleno invierno, en las afueras de la localidad bonaerense de Mercedes”.
Ganadora del Work in Progress del último Festival de Mar del Plata, esta coproducción con Italia -una de las primeras que se realizan a partir de un acuerdo impulsado por el Incaa- es el primer filme de ficción de Belón
Según dijo el realizador, “cuenta la historia de una pareja a la que le va muy bien en la ciudad, tienen una nena de un año y medio y dedicen comprar una casa de fin de semana en el campo”.
Belón imaginó esta historia en base a sus propias experiencias personales y a las preguntas existenciales que se apoderaron de él cuando tuvo una hija con su actual pareja y coguionista, la actriz Valerio Radivo, luego de fracasar en el intento de llevar adelante la filmación de una película mucho más grande que había escrito años antes durante su estadía en la Cinéfondation del Festival de Cannes.
“Me pasó algo muy similiar en el campo, con la única diferencia que lo que le pasa a Fonzi en la película me pasó a mí y no a mi mujer. Sufrí dudas existenciales y la inquietud terrible por el temor de que le pudiera pasar algo a mi hija”, recordó Belón.
Añadió que “cuando sos padre se te vienen todas las preguntas existenciales encima, en relación a la muerte y a Dios, temas de los cuales uno no tiene muchas respuestas”.
“Al verme así, mi mujer me dijo que escribiéramos algo y decidimos improvisar situaciones, yo haciendo de mujer y ella de hombre. Escribimos el guión juntos porque había algo de todo eso que conocíamos mucho y pensábamos que mucha gente había pasado por algo similar”, señaló el cineasta.
En la historia que idearon juntos, la pareja formada por Fonzi y Sbaraglia “van una semana a la casa de campo para ver qué hay que arreglar y mejorar, y cuando llegan ahí ella no puede dormir y se siente muy mal, se pone paranoica y temerosa con lo que puede pasar con el futuro y con su familia. Ella tiene miedo y ve cosas que él no ve, lo cual genera una crisis de pareja”, describió.
El director añadió que “ambos se empiezan a hacer preguntas existenciales al estilo de qué hacemos, para qué vivimos y qué vamos a hacer en el futuro. Eso los hace manifestarse en su forma más pura y así el pacto de amor entre ellos sufre un fuerte golpe y deben ver cómo reformularlo”.
En relación al trabajo con los actores, Belón sostuvo que “es la primera vez que Sbaraglia y Fonzi trabajan juntos y además ambos tienen estilos muy distintos. De todos modos, fue una experiencia muy fuerte, porque ensayábamos a la noche y arrancábamos a trabajar muy temprano a la mañana”.
“Fueron con sus familias a vivir allá, pasamos mucho tiempo juntos ensayando y probando cosas. Tienen una química muy linda entre ellos y estuvo muy bueno poder contar con ellos para esta película de bajo presupuesto”, sostuvo el realizador, quien recordó que Fonzi pasó esos días junto a su pareja, el actor mexicano Gael García Bernal.

PREMIO DE LA HUBERT BALS FUND DE HOLANDA PARA "LA TERCERA ORILLA", DE CELINA MURGA

Los proyectos de largometraje argentinos “La tercera orilla”, de Celina Murga, y “Leones”, de Jazmín López, fueron beneficiados cada uno por un premio de desarrollo de 50 mil euros entregados por la Hubert Bals Fund, que depende del Festival de Cine de Rotterdam (Holanda), a las compañías holandesas que coproducirán ambos filmes.

La nueva película de Murga, miembro del PCI y autora de “Una semana solos”, es una coproducción entre Argentina, Alemania y Holanda que fue desarrollada con la guía de Martin Scorsese y aborda las vivencias de Nicolás, un joven de 16 años que sufre la disyuntiva de seguir los deseos de su padre o hacer su propia vida.

“Leones” es el debut en el largometraje de Jazmín López, una película que narra la historia del viaje de cinco adolescentes seguido por un accidente de autos y que describe el momento entre la vida y la muerte, que se transforma en algo misterioso y climático.

RETROSPECTIVA Y LIBRO SOBRE ANDRÉS DI TELLA EN ESPAÑA

Una retrospectiva de la obra de Andrés Di Tella, que incluye sus filmes “El país del diablo”, “Fotografías” y “Montoneros, una historia”, se lleva a cabo en el Festival de Granada Cines del Sur, España, donde también se publicó un libro con estudios sobre sus documentales.

El ciclo dedicado a este miembro del PCI se realizará hasta el 10 de junio en el marco del certamen español, que publicó el libro “Inventario de regresos. El cine documental de Andrés Di Tella”, que compila artículos de César Maranghello, Jorge Ruffinelli, Antonio Weinrichter y Casimiro Torreiro, sobre la trayectoria que este documentalista desarrolló desde su primer largometraje, en 1995.

Esa trayectoria aparece marcada tanto por un deseo de vincular sus filmes con las más innovadoras tendencias del documental internacional contemporáneo, como por una invencible disposición hacia lo autobiográfico, que se concreta en por lo menos tres de sus seis largometrajes dirigidos hasta el momento.

“Di Tella ha venido tejiendo de manera ejemplar un intenso tapiz en el que lo personal (la memoria familiar, el peso de la paternidad, representada por dos padres que son -y han sido- notorios intelectuales, su carácter mestizo de blanco e indio) se entrecruza con lo colectivo”, se lee en una nota que promociona la muestra.

El texto añade que el realizador logra esa mezcla, “pero con la mirada siempre enfocada hacia unos márgenes poblados de individualidades a menudo incómodas para la historiografía, la tradición literaria o incluso el funcionamiento de lo social”.

Y luego declara que “en poco más de veinte años de una intensa carrera que comenzó en el cortometraje documental -e incluye performances artísticas, la docencia y hasta la reflexión teórica-, Di Tella ha terminado erigiéndose como una de las voces más interesantes del cine de no ficción, no ya en su país natal, sino incluso en el cambiante mundo del documental contemporáneo”.

Los filmes de Di Tella que se verán en el Festival de Granada son “El país del diablo” (2008), “Fotografías” (2007), “La televisión y yo” (2001), “Macedonio Fernández” (1995), “Montoneros, una historia” (1994), “Prohibido” (1997) y “Reconstruyen crimen de la modelo” (1990).

CONVOCAN A ARIEL ROTTER PARA PROYECTO DEDICADO A VÍCTIMAS DE FUKUSHIMA

El cineasta argentino Ariel Rotter, productor junto a Verónica Cura del filme “Las Acacias”, que ganó la Cámara de Oro y tres premios de la Semana de la Crítica del Festival de Cannes, fue convocado por la directora japonesa Naomi Kawase a un proyecto cinematográfico dedicado a las víctimas del terremoto y tsunami de Fukushima.

“Estoy muy contento por esta invitación, para mi será un honor colaborar con este proyecto que tiene como objetivo solidarizarse y ayudar a las víctimas de la tragedia de Fukushima”, afirmó el realizador argentino en Cannes.

Ganador del Oso de Plata en 2007 en Berlín con “El otro”, Rotter señaló que fue convocado por la propia organizadora del proyecto, la cineasta japonesa Naomi Kawase, quien le explicó que él será uno de los directores internacionales que deberán filmar un cortometraje de tres minutos y 11 segundos de duración en relación a las víctimas de Fukushima.

Al parecer, además de Rotter estarían confirmados como autores para el proyecto la propia Kawase, el español Víctor Erice, el chino Jia Zhangke, el tailandés Apichatpong Weerasethakul, y los japoneses Kaori Momoi y Toyoko Yamasaki, mientras que todavía se están esperando las respuestas del francés Olivier Assayas y los hermanos belgas Jean-Pierre y Luc Dardenne.

El proyecto es organizado por el Festival Internacional de Cine de Nara (Japón), donde será exhibido en septiembre próximo por primera vez, y llevará el título “3.11 A Sense of Home Films”, además de estar integrado por diferentes cortometrajes en formato digital que tendrán una duración de 3 minutos y 11 segundos, lo cual coincide con la fecha del terremoto ocurrido el 11 de mayo pasado.

“Es una película dedicada a todas las personas afectadas por el reciente desastre de terremotos y tsunamis que afectó Fukushima, especialmente a las víctimas y a todos aquellos que perdieron sus hogares y debieron abandonar la zona por las radiaciones nucleares de la planta atómica”, explicó Rotter.

El tema del proyecto será justamente el “Hogar”, con la intención de reflexionar sobre el significado de la palabra hogar y reunir diferentes miradas e imágenes sobre los hogares desde las perspectivas de cineastas de varios países del mundo, incluido Argentina.

La idea de los organizadores es reunir todos los cortometrajes y proyectarlos como una sola película durante el Festival de Nara, entre el 17 y el 19 de septiembre próximo, y también realizar un recorrido de proyecciones por todas las zonas afectadas por el desastre, con el objetivo de ayudar a los damnificados.

PAULA HERNÁNDEZ TERMINÓ EL RODAJE DE "UN AMOR PARA TODA LA VIDA"

Paula Hernández finalizó el rodaje de su nueva película, “Un amor para toda la vida”, que protagonizan Diego Peretti, Elena Roger y Luis Ziembrowski, y que narra la forma en la que una mujer puede revolucionar las vidas y la relación fraternal entre dos amigos.

El tercer filme de la realizadora de “Herencia” y “Lluvia” comienza un verano de los años 70 en un pueblo chato de provincia, con una calle principal, un río y un balneario, que apaciguan algo más que el calor del período estival.

Lalo y Bruno son adolescentes que viven haciendo nada en medio de la nada, pero en una tarde húmeda y sin pedir permiso, llega Lisa, arrasando con la monotonía del pueblo y revolucionando sus vidas.

Treinta años más tarde, lejos de esa inocencia engañosa, propia de la adolescencia, Lisa vuelve a irrumpir en esas dos vidas adultas, con la misma impronta que a los catorce, produciendo un temor nuevo e inmanejable, aunque teñido por la huella que el tiempo deja en cada uno de los seres vivos.

Con el apoyo del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (Incaa) y la Municipalidad de Colón, Entre Ríos, la película fue escrita por la propia Hernández, en base a un cuento de Sergio Bizzio.

Paula Hernández es egresada de la Universidad del Cine de Buenos Aires y trabaja en la industria cinematográfica desde 1989, momento desde el cual dio sus primeros pasos como asistente de producción y luego continuó como asistente de dirección de cine publicitario y de largometrajes.

Algunos largos en los que se desempeñó como asistente fueron “Sol de Otoño” de Eduardo Mignogna, “Diario para un cuento”, de Jana Bokova, y “No place to hide”, de Robert Young.
Su filmografía incluye los cortometrajes “Rojo”, ”Kilómetro 22” y “Eva”, un capítulo para la miniserie “Vientos de Agua”, el documental “Familia Lugones” y los largometrajes “Herencia” y “Lluvia”.

También dirigió comerciales para Argentina y para el exterior, y en 2003 ganó el premio New Talent de Saatchi & Saatchi del Festival de Cannes de Publicidad.

PABLO GIORGELLI HABLA DE SU FILM "LAS ACACIAS"

Pablo Giorgelli es el autor de "Las Acacias", con el que obtuvo el premio Cámara de Oro a la mejor ópera prima del 64to. Festival de Cine de Cannes, donde también cosechó tres premios en la sección paralela Semana de la Crítica.
En una entrevista, este realizador y montajista miembro del PCI explica los motivos que lo llevaron a filmar esta película, en la que narra el emotivo encuentro entre un camionero hosco y solitario y una desconocida, a la que acepta llevar junto a su beba desde Paraguay hasta Buenos Aires.
“Fue una sorpresa muy grata y estamos muy contentos de haber sido elegidos en Cannes, porque esto pone a la película en otro lugar y ayuda muchísimo a su difusión, que es una de las mayores complicaciones para los que hacemos cine en Argentina. Además, es una especie de confirmación de que la película está bien”, afirmó Giorgelli, que venía de ganar el Premio Latinoamérica Primera Copia en el Festival de Cine de La Habana.
Protagonizada por Germán de Silva, la paraguaya Hebe Duarte y la beba Nayra Calle Mamani, la película fue filmada durante 5 semanas a bordo de un camión cargado de madera, en un viaje que unió la frontera entre Asunción del Paraguay y Clorinda con la ciudad correntina de Esquina y la zona bonaerense de Zárate-Campana.
El cineasta viajó a Cannes junto a su esposa y montajista, María Astraukas, quien se convirtió en una pieza clave en la construcción del filme “porque conoce el proyecto desde el inicio mismo del guión, hace 5 años atrás, sabe perfectamente las razones que me llevaron a rodar la película y lo que yo quería contar”, señaló.
Giorgelli dijo que “algo muy bueno pasó en el montaje, porque allí hubo un proceso de sustracción permanente. En la primera versión había muchos más eventos, pasaban muchas más cosas, y lentamente las fui sacando. Eso me dio la pauta de qué tipo de película quería, cuál era su verdadero espíritu, qué era lo esencial y qué no interesaba mostrar”.
Sencilla, lineal, con escasísimos diálogos, “Las Acacias” conmueve gracias a la profunda humanidad que se expresa en el inesperado cruce de un camionero rudo y solitario con una madre humilde y su hija de pocos meses, y en la forma en que ese encuentro los transforma, les cambia la manera de ver las cosas y les hace reflexionar críticamente sobre sus propias vidas.
“Hay algo que me conmueve especialmente y que seguramente tendrá que ver conmigo mismo”, afirmó Giorgelli, y añadió que “eso es lo que me interesaba mostrar en la película: la coraza, la distancia que se pone con el otro y que apenas empezás a rascarla podés descubrir otro mundo, el verdadero ser interior de la otra persona”.
“Ninguno de ellos se muestra ni revela demasiado de sí mismo. Los dos están escondiendo su mejor parte. Lo que muestra la película es cómo se van desarmando hasta mostrarse como son verdaderamente. Van transitando ese proceso de la soledad y la cáscara hasta abrirse al otro cada vez más. Es una película que transforma a los personajes, pero que también nos transformó a nosotros”, agregó.
“La película habla de la soledad y de la coraza que se pone este camionero para protegerse, de su paternidad en crisis. Esta mujer y su beba le hacen detonar todo, cuando quizás estuvo muchos años construyendo muros para no sentir, pero esos muros se van cayendo uno a uno a medida que el viaje avanza”, señaló el cineasta.
En relación a las palabras escasas, Giorgelli recordó que “los diálogos que hay en la película son los mismos que están en el guión, porque yo no quería improvisar nada. En el guión ya estaba planteado este silencio interrumpido por algunas palabras y, cuando eso sucede, ellas cobran otro valor y una importancia dramática”.
El rodaje de la película es un tema aparte, ya que en su gran porcentaje transcurre dentro de la cabina del camión y eso, según el director, “fue una de las apuestas más grandes de la puesta en escena. Era un límite y un desafío. Así vemos únicamente lo que ven los personajes, es su punto de vista”.
“Técnicamente fue una combinación de mecanismos. Primero filmamos con un camión real, pero la mayoría de las escenas fueron hechas en una falsa cabina que montamos sobre un trailer, para que el camarógrafo pudiera trabajar más cómodo y así también estuviera presente el ojo humano. Eso era muy importante”, explicó.
A pesar de estar narrada como un viaje, el realizador sostuvo que “la película no fue pensada como una road movie. Su alma es lo que le pasa al camionero en su interior, todo gira en torno a un hombre solitario y su conflicto personal, que está relacionado con su paternidad”.
“A partir de ciertas escenas, él ve que se le está escapando la posibilidad de una vida diferente y que no sabe cómo hacer para retenerla. Empieza a sentir que el viaje se acaba y que empieza a perder la chance de sentirse padre nuevamente, de volver a formar una familia”, describió el director, para quien los actores fueron fundamentales.
“Ellos fueron la clave de todo. Tardé mucho tiempo en decidirme, pero finalmente apareció Germán de Silva, un actor increíble que entendió enseguida lo que yo quería y aportó su talento a la causa. En el caso de Hebe, había algo en su naturaleza que me conmovía y la cosa terminó de definirse cuando se juntó con la beba, porque parecían madre e hija, eso fue como un milagro”, afirmó.

"LAS ACACIAS" GANÓ LA CÁMARA DE ORO EN CANNES

La película argentina “Las Acacias”, del realizador y montajista Pablo Giorgelli, miembro del PCI, conquistó el prestigioso premio Cámara de Oro, que distingue a la mejor ópera prima de todas las secciones del Festival de Cine de Cannes.

“Las Acacias” fue seleccionada ganadora entre todas las óperas primas que tomaron parte de la edición 64 de este prestigioso festival, donde compitió en la sección paralela Semana de la Crítica.

La obra de Giorgelli narra el emotivo encuentro entre un camionero rudo y solitario y una mujer paraguaya a la que acepta llevar en su camión, junto a su beba, desde Paraguay hasta Buenos Aires, en un viaje de más de 1.500 kilómetros donde se van conociendo y dejan fluir sus temores, sus esperanzas y toda su humanidad.

“Las Acacias” recibió además tres galardones de la Semana de la Crítica: el premio del Jurado Joven de Francia y Alemania, el premio de la Asociación de Directores Independientes para la Distribución (ACID/CCAS) y el premio Rails D'Or que otorga la Asociación de Cinéfilos Trabajadores Ferroviarios (UAICF) de esta ciudad.

COMUNICADO DEL PCI

El PCI se suma al festejo de "Las Acacias", ópera prima de Pablo Giorgelli (miembro del PCI), producida por Ariel Rotter (miembro del PCI) y Verónica Cura, gran revelación del festival de Cannes al obtener cuatro premios, entre ellos la Cámara de Oro, nunca antes recibida por una película argentina.

Este prestigioso reconocimiento demuestra que tanto el cine comercial como el cine de autor son igualmente fundamentales para nuestra cinematografía, nuestra cultura y la construcción de una identidad nacional que contenga diversidad de miradas.

Y confirma la vital importancia de que el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de la Argentina no deje de apoyar y fomentar las óperas primas independientes.

"AU3 (AUTOPISTA CENTRAL)" EN MALBA Y ARTEPLEX BELGRANO

Luego de proyectarse en el Festival de Cine de Mar del Plata, la película "AU3 (Autopista central)", de Alejandro Hartmann, se estrenará en marzo en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, donde se verá los sábados y domingos a las 17, y en el cine Arteplex Belgrano, donde tendrá tres funciones diarias.

SINOPSIS
En uno de los barrios más ricos de Buenos Aires, hay una línea de manzanas con terrenos vacíos, restos de edificios y casas abandonadas. Es la AU3, una autopista que jamás se construyó.
En 1976, la dictadura inició un plan de autopistas para simular progreso mientras reprimía. En los 80, el proyecto se detuvo por falta de dinero, y sólo se llegó a expropiar una parte de lo que debía ser la AU3 y a demoler algunos sectores. Nunca se construyó nada. Las casas vacías fueron ocupadas por familias pobres e inmediatamente nació el conflicto.
La AU3 atravesaba barrios ricos; los ocupantes, que buscaban casa y trabajo, quedaron enfrentados con los propietarios de la zona, quienes vieron cómo la pobreza se instalaba entre ellos.
Para unos y otros, ese territorio que comparten es lo que los separa: unos adentro, los otros afuera; unos acorralados, los otros invadidos; unos en casas derruidas, los otros en hogares bien constituidos.
Aun así, el conflicto parece nunca explotar, hasta que el Estado, aquel que treinta años atrás generó todo, intenta imponer un nuevo proyecto de reordenamiento. Los propietarios ven una respuesta a sus deseos; los ocupantes, un oscuro negocio a costa de su desalojo. Algunos aceptan irse, otros se resisten, y el conflicto ya está desatado.
Mientras oímos los gritos de la gente, son ahora las paredes todavía en pie las que intentan decir algo: nos hablan de una ciudad planificada y ordenada, en la que las diferencias sociales no se notan tanto.
Pero esa ciudad no parece ser real. Lo único que queda es el enfrentamiento social, el ruido de las topadoras y una cicatriz urbana aún abierta.

PALABRAS DEL DIRECTOR
“Una línea divide a Buenos Aires. Es una línea tanto física como simbólica. Después de que mi vida girara por años alrededor de la AU3, decidí retratarla, pero ya no era más ese paisaje estático que había llamado mi atención, y ese retrato inmóvil era ahora un proceso social dinámico y explosivo. AU3, con su final siempre abierto, es un pequeño recorte de nuestra realidad más profunda”.

"UN MUNDO MISTERIOSO", DE RODRIGO MORENO, COMPITE POR EL OSO DE ORO EN BERLÍN

El argentino Rodrigo Moreno entrará mañana en la competencia por el Oso de Oro en el 61ro. Festival Internacional de Cine de Berlín con su película “Un mundo misterioso”, una propuesta singular en la que registra la errancia absurda y existencial de un hombre que es abandonado por su novia y a quien el mundo se le torna inexplicable.

La nueva película escrita y dirigida por Moreno, quien ya había competido en Berlín en 2006 con “El custodio”, opera prima con la que ganó el premio Alfred Bauer, es una coproducción argentino-alemana que protagonizan Esteban Bigliardi, Cecilia Rainero, Rosario Bléfari, Leandro Uria, Germán De Silva y Lucrecia Oviedo.

“Me sorprende un poco volver a competir en Berlín, ya que la mía es una película que va en contra de todo lo que un festival como Berlín puede esperar de una película”, afirmó Moreno, y precisó: “Me parece extraño y creo que ellos deben estar replanteándose algo, aunque no sé muy qué será, porque ‘Un mundo misterioso’ no juega ni con el virtuosismo visual ni con lo autoral”.

El cineasta opinó que “es muy loco hacer una segunda película. Con la primera no sabía bien con qué me iba a encontrar y en esta lo que me pasó fue que empecé a filmar de una manera que se me impuso. Me doy cuenta ahora que no sé filmar de otra manera. En los buenos directores eso es el estilo y en personas como yo es la única manera”.

Asentada en el absurdo, “Un mundo misterioso” es una comedia urbana y por momentos desopilante que narra las desventuras de Boris (Bigliardi), que es dejado por Ana (Rainero) y decide librarse a la deriva y el azar: se aloja en un pequeño hotel donde se alimenta con pan y mostaza, compra un automóvil rumano que no quiere arrancar, se cruza con varias mujeres, lee cualquier cosa para matar el tiempo y busca infructuosamente volver con su novia.

“Hoy pienso que ‘El custodio’ me salió más serio de lo que quería”, señaló Moreno, para quien su nuevo largometraje “no es estrictamente una comedia, porque el género implica reglas que yo no sé aplicar. En realidad tiene una mirada absurda de las cosas, en la que no me interesaba provocar risa, porque quería mantener algunos sentimientos vinculados con lo indefinido”.

Moreno añadió que “esas son decisiones que tienen que ver con la incertidumbre del tiempo que pasa en la película y con una voluntad que no es muy realista. Creo que los personajes no se prolongan más allá de la pantalla. Y para mí esas son cosas nuevas que estoy probando”.

En relación al nuevo rumbo que le está dando a su carrera, el cineasta -quien también codirigió “El Descanso” y participó con un corto en “Mala época”- señaló que “ese guión que podría haber sido una comedia está dirigido justamente con la ineficiencia que yo puedo tener para dirigir una comedia, y es justamente esa falla o ineficencia lo que me interesa”.

“El cine se vuelve cada vez más eficaz, se buscan fórmulas para filmar y eso va en contra de lo que uno quiere narrar. Para mí, esta película fue una respuesta a todo eso. Es como un desvío. No quieron convertirme en un autor o un director internacional. No quiero ser ni profesional ni eficaz. Y ese era un punto importante para mí, desviarme del sistema de producción imperante”, agregó.

En ese sentido, Moreno recordó una escena de la película en la que Boris recorre una librería de usados: el librero le ofrece una novela llamada “Gran Prix”, del mismo autor de “Gran Slam”, que se colgó del éxito de su primer libro para ahora poder escribir cualquier cosa, y ambos concluyen en que es mejor que sea así, porque sino se hubiera convertido en un escritor de best sellers.

“Al igual que él, yo no quiero convertirme en un cineasta de best sellers, y esa es un poco mi moral cinematográfica”, señaló el director, para quien “esta película tiene mucho más desvío y desviaciones que otras, ya que todo el tiempo se detiene en lo que parece no relevante ni fundamental”.

“¿Por qué siempre tiene que pasar algo?”, se preguntó Moreno, y destacó: “Hoy todo el tiempo se le pide al cine que suceda algo espectacular. Yo no estoy tan seguro de esa idea televisiva del rating. Ni tampoco quería que hubiese un tema por delante de la película, un tema tan importante que no me dejara reflexionar sobre todo lo demás”.

Aunque el punto de partida del filme se vincula con sus propias vivencias (la compra de un auto usado que andaba mal y con el cual se quedó varias veces varado en la ruta hacia La Plata), Moreno dijo que su película “no es deliberadamente biográfica, pero todo lo que se cuenta nos ha pasado alguna vez. Trato siempre de contar lo que observo, lo que he vivido y lo que conozco”, agregó.

PABLO JOSÉ MEZA ESTRENA "LA VIEJA DE ATRÁS"

LA VIEJA DE ATRÁS
Una película de Pablo José Meza, con Adriana Aizenberg y Martín Piroyanski.

Mejor Guión Inédito - The Global Film Initiative
Coproducción de Países Iberoamericanos - Programa Ibermedia
Mejor Actriz - 36 edición del Festival de Cine Iberoamericano de Huelva (2010)
Mejor Actor - 38 Festival Iberoamericano de Gramado (2010)
Mejor Guión - 38 Festival Iberoamericano de Gramado (2010)
Selección Oficial - 34 Mostra de Cinema Int. de Sao Paulo (2010)
Selección Oficial - 34 Festival Int. de Cine de El Cairo (2010)
Selección Oficial - 25 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata (2010)

Sinopsis
Una anciana sola y colmada de frustraciones (Aizenberg) le ofrece a un joven estudiante (Piroyanski) un trato difícil de cumplir; casa y comida a cambio de una fluida conversación cotidiana.
Por un tiempo, Rosa y Marcelo compartirán un pequeño departamento que será testigo de la gran distancia que existe entre ellos.

Una producción de CINEMATRES (Argentina) y Domenica Films (Argentina) en coproducción con Panda Filmes (Brasil), con el apoyo del INCAA, ANCINE, Programa Ibermedia, y The Global Film Initiative (Estados Unidos)

Notas del director
Siempre escuché decir que la segunda película de un director es la más difícil.
Yo lo he comprobado y finalmente llego al estreno de “La Vieja de atrás” contento con la experiencia acumulada durante el camino transitado.
Todo comenzó en el festival de cine de LLeida donde estuve con “Buenos Aires 100 Km .”, mi primera película.
En un periódico local donde buscaba comentarios de la película, leí un anuncio clasificado que me llamó la atención: Una anciana ofrecía en alquiler una habitación de su casa y alimentación para el huésped, a cambio de compañía, de conversación cotidiana. Me quede asombrado, aunque luego me contaron que avisos de esa clase eran moneda corriente en esa ciudad.
Siempre me interesó la comunicación (o incomunicación) entre las personas. También me interesan los puntos extremos de la vida: la niñez (Buenos Aires 100 km .) y la vejez (La vieja de atrás). Pero sobre todo, me llama la atención la cantidad de gente sola que anda por la gran ciudad sin que nadie repare en ellos. Y especialmente los ancianos solos y tan necesitados de compañía. Todo eso es mi segunda película.
Yo creo que mientras la película no esté filmada, el guión ES la película. Es lo único que hay y para mi es muy importante que refleje exactamente lo que quiero filmar. Por eso es que lo trato como si fuera una pequeña obra literaria.
Tanto mi primera como si segunda película ganaron premios con el guión antes de filmarse, y esos premios significaron parte de la financiación del film.
Ese respeto que le tengo al guión se traduce luego en la dedicación que pongo en la descripción de la imagen y el sonido.
Creo haber hecho un gran avance en el manejo del lenguaje cinematográfico entre una película y otra. Cada plano fue pensado y está justificado. No hay un solo movimiento de cámara. No hay música extradiegética. Dentro del universo que quise crear quité todos los recursos que generaran algún tipo de artificio. Traté con esto de que la película fuera lo más austera, cruda y sórdida posible. Como a veces es la vida misma.
La dirección de actores es lo que mas disfruto. Amo dirigirlos y utilizar, para llegar al objetivo deseado, toda clase de métodos. Me apoye mucho en los dos excelentes actores que tiene el film y también discutí mucho con ellos acerca de los personajes.
Como soy guionista también, tenía muy claro el perfil y la psicología de los dos personajes. Fui llevando a los actores por el camino que creía correcto y los induje para que llegaran a los personajes que había creado con anterioridad y que pertenecían al universo que iba a filmar.
Ellos fueron generosos en dejarse dirigir.
Los dos personajes de la película son poco amables, y tienen algunos puntos poco queribles. Adriana tuvo un trabajo muy grande. Rosa, el personaje, es mucho mayor que Adriana y llega a esa edad frustrada y resentida. Sola y mañosa. Sé que con Adriana hicimos un gran trabajo. Ella de composición y yo guiándola en los tonos, las reacciones, los gestos. Adriana logró adoptar posturas y miradas de una mujer mayor, vieja.
Estoy muy contento con el resultado de las actuaciones.
“La vieja de atrás” cuenta una historia sencilla pero no por eso deja de ser profunda. La entenderán perfectamente todas aquellas personas que han llegado al último tramo de sus vidas en soledad. Una soledad impuesta por el destino. Una soledad para la cual no se estaba preparado.
La entenderán mucho aquellos jóvenes que no encuentran un lugar en la gran ciudad. Que vienen escapando de la monotonía de sus pueblos buscando una carrera incierta, para la cual no tienen vocación. La vocación es otro gran tema. Hay quien no la tiene, quien no sabe lo que quiere o lo que le gusta, y en esa búsqueda esta el personaje de Martín Piroyansky.
Se que disfrutaran la película todos aquellos a los que les guste las historias mínimas.
Esta es mi segunda película. En ella retraté la vida de dos personas comunes, con virtudes y miserias. Traté de crear un universo de ficción que refleje honestamente una parte de la realidad que encontramos todos los días. En la que a los ancianos se les dice “viejos”, en la que a los extranjeros se los discrimina y en la que vemos muchos jóvenes buscando su camino.

LOGROS DEL PCI DURANTE EL AÑO 2010

El 2010 fue un año de logros y éxitos para un gran número de miembros del Proyecto de Cine Independiente (PCI), con nuevas películas y proyectos, estrenos comerciales, participación destacada e importantes premios en varios festivales locales e internacionales.

Estos son algunos de los hechos y sus protagonistas:

Diego Lerman estrenó comercialmente su película “La mirada invisible”, protagonizada por Julieta Zylberberg, luego de presentarla en la sección Quincena de Realizadores del Festival de Cine de Cannes. La película participó en numerosos festivales y obtuvo el premio al Mejor Actor (Osmar Núñez) en el Festival de Biarritz, Francia.

Por su parte, Rodrigo Moreno terminó su nueva película, “Un mundo misterioso”, que protagonizan Esteban Bigliardi, Cecilia Rainero, Germán De Silva, Leandro Uría y Rosario Bléfari, y que formará parte de la programación oficial del 61 Festival de Cine de Berlín, Alemania.

Hernán Belón estrenó su documental “Sofía cumple 100 años” y también filmó “El campo”, su primer largometraje de ficción, que cuenta con la participación protagónica de Dolores Fonzi y Leonardo Sbaraglia, y que ganó el premio a la Mejor Película en Desarrollo en el 25 Festival de Mar del Plata.

Tamae Garateguy fue la revelación del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata con “Pompeya”, su primer largometraje en soledad luego de filmar “Upa!, una película argentina” junto a Camila Toker y Santiago Giralt. “Pompeya” obtuvo el premio a la Mejor Película Argentina del festival, además de otros importantes galardones.

Pablo José Meza presentó su película “La vieja de atrás”, protagonizada por Adriana Aizenberg y Martín Piroyanski, en el 25 Festival de Cine de Mar del Plata. Una semana después, Aizenberg ganó el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, en España.
“La vieja de atrás”, que también ganó premios en el Festival de Gramado, se estrenará el 20 de enero próximo en los cines locales.

En el último Festival de Cine de Mar del Plata participaron otras películas realizadas por miembros del PCI: Alejo Taube presentó “Agua y sal”, su segundo largometraje; Baltazar Tockman estrenó sus documentales “Tiempo muerto” (segunda mención especial Feisal) y “Planetario”; Alejandro Hartmann hizo lo propio con “AU 3 (Autopista Central); y Santiago Giralt mostró su nuevo largometraje, “Antes del estreno”, protagonizado por Erica Rivas, ganadora del premio Carlos Carella a la Mejor Actriz de la Competencia Argentina.

Pablo Giorgelli fue uno de los ganadores del premio Primera Copia a la postproducción del Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, Cuba, con su película “Las acacias”, producida por Ariel Rotter, quien además se desempeñó como jurado de la competencia oficial del certamen cubano.

Por su parte, Celina Murga prepara su nueva película, "La tercera orilla", que contará con la producción y la colaboración del gran cineasta estadounidense Martin Scorsese, quien ya había sido su mentor durante la Beca Rólex que la autora de "Ana y los otros" había ganado hace dos años.

Mientras prepara el rodaje de “Mujer conejo”, Verónica Chen estrenó en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba) su película “Viaje Sentimental”, que se había visto por primera vez en el último Bafici. Lo hizo al mismo tiempo que Edgardo Cozarinsky estrenaba “Apuntes para una biografía imaginaria”, que ya había mostrado a principios de año en la Fundación Proa de La Boca.

Ana Katz filmó “Los Marziano”, su nuevo largometraje protagonizado por Guillermo Francella, Mercedes Morán, Arturo Puig y Rita Cortese.

Juan Villegas y Alejandro Lingenti estrenaron “Ocio”, versión cinematográfica de la novela homónima de Fabián Casas. La película se puede ver todos los sábados de enero, a las 22, en el renovado Cine Cosmos UBA. Además, "Ocio" fue recientemente seleccionada para participar en la sección Forum del próximo Festival de Cine de Berlín.

Mariano De Rosa estrenó y mantuvo en cartel durante varios meses su opera prima, “Aguas Verdes”. Por su parte, Pepe Salvia estrenó su documental “Cuento chino, clasista y combativo”.

Sabrina Farji estreno su pelicula "Eva & Lola", protagonizada por Celeste Cid y Emme, que ganó el Audience Award del 59th Mannheim Heidelberd International Film Festival (Alemania) y tuvo un recorrido por otros festivales como el Latin Beat de Nueva York, Estados Unidos.
Al igual que Lucía Puenzo, Celina Murhga, Paula Hernández y Gustavo Taretto, Farji fue una de los realizadores seleccionados para dirigir los cortos del proyecto "25 Miradas 200 Minutos". Su filme, titulado "La voz", está protagonizado por Elena Roger.
Además, Farji y Daniela Goggi fueron ganadoras del concurso de proyectos para la Television Digital del Incaa con sus proyectos de ficcion "El paraíso" y "En la escuela", respectivamente.

Aldo Paparella termina la postproducción de "Olvídame", una película de género fantástico que protagonizan Antonella Costa y Gonzalo Valenzuela, que por momentos transita el oscuro terreno del thriller y, por otros, se adentra en el espacio de un amor enfermizo.

Andrés Di Tella está concluyendo un retrato sobre el cineasta experimental argentino Claudio Caldini. Junto a él, presentó en la sala Lugones del Teatro General San Martín una performance titulada “Hachazos”, donde aprovechó para adelantar algunas de las imágenes de su nuevo documental.

Luego de dirigir uno de los cortometrajes que integran el filme colectivo “25 miradas-200 minutos”, Lucía Puenzo prepara el rodaje de "Wakolda", una película sobre la estadía del criminal nazi Joseph Mengele en Argentina que tiene previsto filmar en junio próximo y que contará con Natalia Oreiro entre sus protagonistas. La actriz uruguaya también formaría parte del elenco de “Infancia clandestina”, ópera prima de Benjamín Ávila ambientada en la última dictadura militar. En la película, que comenzará su rodaje a fines de enero, también actuarán Ernesto Alterio, Cristina Banegas y César Troncoso.

Camila Toker estrenó “Ramanegra”, su primera película en solitario, en la Competencia Iberoamericana de Largometrajes del XI Festival de Cine Fantástico Rojo Sangre.

En tanto, María Victoria Menis está realizando el casting para su nuevo proyecto de largometraje, el quinto de su carrera, que tiene previsto empezar a filmar en julio próximo. Se trata de "María y el hombre araña", una coproducción con Francia y Ecuador cuyo guión ganó el Premio Fonds Sud 2010.

Federico Godfrid y Juan Sasiaín siguen mostrando su exitosa “La Tigra Chaco” por diversos festivales internacionales; lo mismo sucede con Julia Solomonoff, cuya película “El último verano de la Boyita” continúa recorriendo diferentes certámenes en el mundo.

"OCIO" SIGUE LOS SÁBADOS EN EL COSMOS

"Ocio", una ficción basada en el relato homónimo de Fabián Casas que codirigieron Juan Villegas y Alejandro Lingenti, se seguirá exhibiendo todos los sábados de enero, a las 22 horas, en el recién inaugurado Cine Cosmos UBA (avenida Corrientes 2046) con una historia sobre la solitaria vida de Andrés, un joven amante del rock, la literatura y el fútbol que, tras perder a su madre, emprende un difícil proceso hacia la adultez.
La distante relación con su padre y su hermano mayor, a quienes ve poco y nada durante los cruces obligatorios en su casa, la soledad, el aburrimiento y el miedo al fracaso típico de la adolescencia tardía, son el contexto de interminables horas de vagabundeo barrial junto a algún amigo, algunas lecturas inconclusas y mucho rock argentino de los 70 como Manal, Invisible o Pescado Rabioso.
Protagonizada por Nahuel Viale, Germán de Silva, Francisco Grassi y Lucas Oliveira, "Ocio" es la primera colaboración entre el cineasta Villegas y el periodista y ahora director Alejandro Lingenti, e intenta convertirse en el retrato de una generación y de un estilo de vida barrial arrasados por la modernidad, y en una reivindicación nostálgica de una Argentina que quizás ya no exista.
"La película describe el momento de estupor de una persona que acaba de perder a su madre. Andrés está en la añoranza de su pasado, pero como no hay una evolución concreta, el espectador tiene que imaginarse qué le ocurre", explicó Lingenti, autor del guión del filme, quien se formó de manera autodidacta durante los años en los que asistía como periodista a diversos rodajes.
En una entrevista con Télam, Lingenti señaló: "No queríamos que nada quedara explícito y por eso dejamos de lado el recurso clásico de algún hecho que produzca una transformación concreta en el protagonista. No queríamos hacer tan obvias las motivaciones de los personajes y esa idea de austeridad la fuimos radicalizando en todo el proceso de la película".
Libremente inspirados en filmes como "La ley de la calle", de Francis Ford Coppola, Villegas y Ligenti describen el difícil proceso de iniciación y crecimiento que este joven emprende en su paso a la adultez y muestran el trauma emocional que sufre hasta "encontrar su propio camino", aunque intentan hacerlo "con cierto tono paródico, para no caer nunca en lo solemne".
Según Villegas, "su vida se empieza a resquebrajar al desaparecer la figura de su madre. También, al desaparecer ella, se acentúa la división entre él, su padre y su hermano mayor, a tal punto que ni si quiera se miran. Aunque se quieren -explicó- no pueden transmitir sus afectos", algo que ellos mismos aceptan al final del libro de Casas, cuando dicen: "Somos tres islas".
Los directores lograron captar y transmitir "el universo cerrado de la obra de Fabián Casas" y filmaron "una película suburbana, postindustrial, donde prevalecen las vías de tren y las calles empedradas y vacías de barrios porteños como Boedo, Pompeya y Parque Patricios, donde todavía no existe la contaminación visual urbana", destacó Villegas.
"Queríamos poner al protagonista en un espacio y tiempo míticos, y que recorriera lugares totalmente inhóspitos y semivacíos, donde no hubiera nadie", recordó Villegas, quien viene de filmar películas independiente, pero con un poco más de estructura y presupuesto, como "Sábado" (2001) y "Los suicidas" (2005).
"Ocio" es una adaptación libre de la novela homónima de Fabián Casas, publicada por primera vez en 2000, y se propone como "la austera pero obsesiva observación de una crisis existencial y familiar. También es el retrato de la entrada a la adultez de nuestro protagonista, aún cuando ni el mismo protagonista sea capaz de intuirlo", agregó Lingenti.

"LA MIRADA INVISIBLE", DE DIEGO LERMAN, EN EL FESTIVAL DE CANNES

"La mirada invisible", la película de Diego Lerman basada en la premiada novela de Martín Kohan, "Ciencias morales", competirá en la prestigiosa sección Quincena de Realizadores del Festival de Cine de Cannes, que se realizará entre el 12 y el 23 de mayo.

"Está muy bueno estar en Cannes, en ese marco -comentó Lerman al diario Clarín-. Es para nosotros una corrida muy grande para llegar a terminarla, espero que valga la pena".

El director de "Tan de repente" y "Mientras tanto" estuvo dos veces en Cannes, pero nunca con una película en una de sus secciones. "Es abrumador, llegué y me quise ir enseguida -recuerda-. Ahora con la película será distinto, espero que sirva para que se conozca y se pueda distribuir en otros países".

La diferencia entre el título del filme y de la novela tiene que ver, explica, con que "Ciencias morales es un buen título para un libro, pero no nos parecía atractivo para la película. Al final de todo surgió La mirada invisible, que es una frase del filme. Pero, salvo algunos cambios, es una adaptación muy fiel".

La mirada... se centra en María Teresa, una preceptora de un colegio porteño durante la dictadura militar (interpretada por Julieta Zylberberg) y sus manejos y descubrimientos en la escuela, a la par de su tensa y compleja relación con el Sr. Biasutto (Osmar Núñez), el jefe de preceptores.

"La mirada invisible" competirá con otros filmes latinoamericanos como el brasileño "Alegría", de Marina Méliande y Felipe Bragana, los mexicanos "Año bisiesto", de Michael Howe, y "Somos lo que hay", de Jorge Michel Grau, y el uruguayo "La casa muda" de Gustavo Hernández.

La participación argentina en Cannes se completa con "Carancho", de Pablo Trapero, que al igual que "Los labios", de los argentinos Iván Fund y Santiago Loza, competirá en la sección Una Cierta Mirada.

A ellos se suma el cortometraje "Rosa", dirigido por la actriz y realizadora Mónica Lairana, que es el único filme argentino seleccionado para la Competencia Oficial del festival y concursará con otros ocho cortos por la Palma de Oro.

Otros cortos argentinos que se verán en Cannes son "Cynthia todavía tiene las llaves", de Gonzalo Tobal, en la sección la Semana Internacional de la Crítica, y "El juego", de Benjamín Naishtat, en la sección Cinéfondation.

MESA REDONDA DEL PCI Y FIPRESCI EN EL BAFICI

La asociación de cineastas y productores independientes Proyecto Cine Independiente (PCI) y la filial local de la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica (Fipresci) compartirán una mesa redonda en el marco de la duodécima edición del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (Bafici), que se realizará entre el 7 y el 18 de abril próximo.
En el encuentro, los críticos cinematográficos presentarán un libro sobre el cine argentino de la última década y entregarán los premios Fipresci a las mejores películas argentinas hechas entre 2000 y 2009.
La mesa contará con la presencia de los cineastas Benjamín Ávila, Andrés Di Tella y Juan Villegas, y los críticos Diego Batlle, Diego Brodersen y Diego Lerer, que debatirán entre ellos y con el público acerca de la actualidad del cine argentino.
La cita será el sábado 10 Abril, a las 17, en el Auditorio Espacio Bafici del shopping Abasto de Buenos Aires (Anchorena y avenida Corrientes).